El cerebro creativo de Creedence Clearwater Revival entra oficialmente al salón de las leyendas
Una noticia bonita para quienes disfrutan ese sonido pantanoso, polvoriento y absolutamente inolvidable de Creedence Clearwater Revival. John Fogerty, la voz, guitarra y principal pluma detrás de la banda, va a recibir uno de los reconocimientos más importantes que existen para un compositor: el Johnny Mercer Award del Songwriters Hall of Fame.
La ceremonia se celebrará el 11 de junio en Nueva York, y este premio funciona casi como una medalla de honor para quienes han marcado el rumbo de la canción popular durante décadas. Para entender el nivel: antes lo han recibido nombres como Frank Sinatra, Paul Simon, Stevie Wonder, Dolly Parton y Elton John. Pura liga mayor.
Un premio reservado para quienes cambiaron la historia de la canción
Fogerty ya había ingresado al Songwriters Hall of Fame en 1993 junto a Creedence, pero ahora el homenaje es individual, enfocado directamente en su obra como compositor y en el impacto de su catálogo. No solo se celebra al frontman, sino al autor de canciones que definieron toda una época.
Él mismo contó que el reconocimiento llega en un momento muy especial de su vida, después de haber recuperado los derechos de sus canciones hace pocos años, algo que siempre describió como una batalla profundamente personal. Este premio, entonces, no solo honra su legado: también cierra un círculo.
Canciones simples, eternas y con identidad propia
Si uno repasa su repertorio, todo tiene sentido. Proud Mary, Fortunate Son, Bad Moon Rising, Have You Ever Seen the Rain… temas que parecen sencillos en estructura, pero que cargan una identidad imposible de confundir.
Fogerty tiene ese talento raro de escribir melodías directas, riffs memorables y letras que te pintan carreteras, pantanos y rebeldía en cuestión de segundos. El propio Nile Rodgers destacó justamente eso: la capacidad de hacer que la música se sienta profunda sin dejar de ser inmediata.
Un legado que sigue sonando como el primer día
Más allá de los premios, lo de Fogerty ya está escrito en la memoria colectiva. Su música sigue sonando fresca, vigente, perfecta para manejar al atardecer o para dejar que el volumen llene la casa un domingo cualquiera.
Porque hay compositores que hacen hits… y otros que construyen banda sonora para varias generaciones.
John Fogerty, claramente, pertenece a los segundos.
Los fanáticos de David Bowie podrán caminar por los mismos pasillos donde el legendario músico británico comenzó a soñar con cambiar el mundo. La modesta casa donde Bowie creció en el barrio de Bromley, al sur de Londres, será restaurada y convertida en un espacio accesible al público con fines culturales y educativos.
Ubicada en 4 Plaistow Grove, esta vivienda adosada es más que una simple dirección: fue el lugar donde Bowie —entonces conocido como David Jones Jr.— vivió entre los 8 y los 20 años, y donde pasó gran parte de su tiempo en la pequeña habitación que describió como su “mundo entero”, mientras alimentaba su curiosidad musical y creatividad temprana.
Una restauración que revive los años formativos
Según reportó Ultimate Classic Rock, la casa será restaurada para reflejar cómo se veía en la década de 1960, época en la que Bowie comenzó a forjar su identidad artística antes de convertirse en una de las figuras musicales más influyentes del siglo XX. El proyecto, liderado por Heritage of London Trust con la asesoría de Geoffrey Marsh —curador de la exitosa exposición David Bowie Is—, buscará revivir la atmósfera de esos años clave en la trayectoria del Duque Blanco.
El plan incluye no solo la restauración fiel de los espacios, sino también la creación de talleres y actividades creativas para jóvenes, con la idea de inspirar a futuras generaciones a través de las artes y la música, tal como inspiró Bowie con su propia obra. La apertura al público está prevista para finales de 2027, coincidiendo con la conmemoración de una década del fallecimiento del músico, ocurrido el 10 de enero de 2016.
El origen de un ícono del rock
Para los seguidores de Bowie y la historia del rock, este proyecto ofrece una oportunidad única de acercarse al origen de un ícono y ver de primera mano el humilde pero significativo escenario donde nacieron algunas de sus primeras ideas musicales.
El frontman de los Rolling Stones volvió a referirse a la comparación entre las dos bandas más grandes de rock del Reino Unido.
Uno de los debates que entretienen los fans de la historia del rock es enfrentar a las dos bandas más exitosas de ese género musical que surgieron de Gran Bretaña y decidir cuál era mejor: The Beatles o The Rolling Stones.
Pues en una nueva entrevista para el medio británico, The Times, el vocalista de los Stones, Mick Jagger, volvió con una nueva réplica a las palabras de Paul McCartney de The Beatles.
“Dijo que los Beatles eran mejores que los Stones porque los Stones en realidad eran sólo una banda de versiones de blues”, expresó Jagger sobre afirmaciones que había hecho McCartney en el show de Howard Stern.
âBueno, los Beatles también eran en realidad sólo una banda de versiones de blues cuando empezaron. Cada banda es una banda de versiones al principio, porque así es como funcionan las cosasâ, agregó.
El frontman de los Stones ha destacado en el pasado que mientras su banda ha ido en múltiples giras de estadio a lo largo de las décadas y se mantiene vigente, los Beatles solo tuvieron básicamente una década de carrera juntos.
En un tono más ligero, Jagger reveló que le envió un mensaje de texto a Paul agradeciéndole el comentario porque le “ha brindado mucho material cómicoâ.
El nuevo disco de The Rolling Stones, “Hackney Diamonds” debuta este viernes 20 de octubre de 2023.
El cantante y guitarrista oriundo de Hazlehurst, Mississippi no gozó de fama y fortuna durante su corta vida. Pero el estilo que desarrolló en los años treinta se convirtió en uno de los sonidos más definitivos del género Blues.
Artistas como Bob Dylan, Eric Clapton, Led Zeppelin y The Rolling Stones han reconocido en algún momento la influencia que tuvo la obra de Johnson en su material.
Una leyenda que ha sido repetidamente reportada en medios es que Johnson habría vendido su alma al diablo a cambio de la habilidad para tocar la guitarra como ningún otro. La causa de muerte de Johnson es aún disputada al igual que su fecha exacta de su defunción en 1938. La ubicación de la tumba de Johnson tampoco ha sido confirmada.
Décadas después de su muerte, la popularidad de Johnson se disparó. La disquera Columbia Records lanzó las grabaciones completas de Robert Johnson en 1991 y ésta vendió 2 millones de copias y ganó Grammy a mejor álbum histórico.
Jimi Hendrix (1942-1970)
El maestro de la guitarra eléctrica es considerado el mejor guitarrista de todos los tiempos por la revista RollingStone.
Nació en Seattle, Washington y de adolescente descubrió la guitarra y su afinidad por los estilos de Muddy Waters y Howlin’ Wolf.
Hendrix no había cumplido 20 años cuando tuvo varios problemas con la ley. Esto terminó con Hendrix enrolándose en el ejército de los Estados Unidos. Años después retomó la guitarra y desarrolló un sonido eléctrico excepcional.
A pesar de solo haber producido tres discos de estudio durante su vida: âAre You Experiencedâ, âAxis: Bold as Loveâ y âElectric Ladylandâ; Hendrix se convirtió en uno de los artistas más populares e icónicos de los años sesenta en Estados Unidos y el Reino Unido.
Los detalles de su muerte también han sido disputados. Falleció en un hotel en Notting Hill de Londres, Inglaterra un 18 de septiembre. La policía reportó que Hendrix habría ingerido alcohol y una sobredosis de fármacos previo a morir asfixiado por su propio vómito.
Janis Joplin (1943-1970)
Oriunda de Port Arthur, Texas; la poderosa e intensa voz de Joplin alcanzaría la fama con el grupo de rock psicodélico de San Francisco, Big Brother and the Holding Company.
Con dicho grupo produjo dos discos de estudio incluyendo âCheap Thrillsâ que llegó al #1 en la listas de Billboard en 1968. Poco después, Joplin tendría una corta carrera como solista al producir dos discos de estudio. El último âPearlâ también alcanzó el puesto #1 en 1971. Tristemente, el éxito fue póstumo.
El 4 de octubre de 1970 Joplin no llegó a una grabación programada. Su cuerpo fue descubierto en el cuarto de un hotel en Hollywood, California.
La causa de muerte fue reportada como una sobredosis de heroína aunque Joplin tendría más sustancias en su sistema incluyendo alcohol.
Jim Morrison (1943-1971)
El reconocido vocalista del supergroup estadounidense âThe Doorsâ tampoco llegó a los 28.
Nació en Melbourne, Florida y desde su juventud mostró una pasión por las artes y la academia. En 1964 se mudó a California para estudiar y graduarse de la prestigiosa escuela de Cine de UCLA (University of California Los Angeles).
En UCLA conoció al también estudiante y tecladista, Ray Manzarek. Juntos formarían âThe Doorsâ al unírseles el guitarrista John Densmore y el baterista Robby Krieger.
Su disco debut de 1967 titulado âThe Doorsâ produjo dos éxitos que llegaron al #1 en las listas de Billboard: âLight My Fireâ y âHello, I Love Youâ.
Con Morrison al frente y en vida âThe Doorsâ produjo seis álbumes de estudio. Todos llegaron a ser certificados platino por la RIAA.
Meses después de la grabación de âL.A. Womanâ en 1971, Morrison fue hallado muerto en la tina del apartamento de su entonces pareja en Paris, Francia. La causa de muerte fue reportada como un fallo cardiaco. Su tumba es frecuentemente visitada por turistas en el cementerio Pere Lachaise, también en Paris, Francia.
Kurt Cobain (1967-1994)
El género grunge posiblemente no ha tenido mejor exponte que la voz de Kurt Cobain junto a la banda de Seattle, âNirvanaâ.
Cobain nació en Aberdeen, Washington. Su juventud fue marcada por el difícil divorcio de sus padres y la amarga relación interpersonal que tuvo con ambas partes.
Kurt encontró su escape en la música. Atendía a shows de punk rock en Seattle y empezó a tocar la guitarra y a escribir letras.
En 1987 Kurt funda la banda âNirvanaâ con el bajista Krist Novoselic y el baterista Chad Channing y lanzaron su primer disco âBleachâ.
El disco no logró éxito inmediato. Pero cimentó la relación creativa entre Cobain y Novoselic al punto de que sustituyeron al baterista Channing por Dave Grohl para su siguiente disco lanzado en 1994.
âNevermindâ se convertiría en uno de los disco más vendidos de todos los tiempos. Áxitos como âSmells Like Teen Spiritâ, âCome As You Areâ e âIn Bloomâ lograron que el disco fuera certificado 10 veces platino por la RIAA al superar 10 millones de unidades vendidas solo en Estados Unidos.
Desafortunadamente el disco de 1993 âIn Uteroâ seria el tercero y último disco de estudio de Nirvana con Cobain en vida. Cobain, quien había batallado épocas de depresión y adicción a sustancias fue hallado muerto el 8 de abril de 1994 con una lesión de bala en la cabeza y sosteniendo una escopeta.
Amy Winehouse (1983-2011)
El mundo del soul, rythm and blues y jazz encontraría nueva vida y popularidad masiva en la voz profunda de contralto de Amy Winehouse.
Nació en Londres, Reino Unido y en su adolescencia logró desarrollar su voz al punto de ser intérprete con la orquesta juvenil de jazz (National Youth Jazz Orchestra) de Londres.
Poco después grabaría un demo que culminaría con el lanzamiento de su primer disco de estudio âFrankâ en el 2003. El álbum tuvo éxito en el Reino Unido y el tema âStronger Than Meâ recibió el premio Ivor Novello en el Reino Unido a mejor canción contemporánea. A pesar de este éxito, lo mejor aún estaba por venir.
En el 2006 Winehouse lanza el disco âBack To Blackâ. El álbum llegó al #2 en la lista de Billboard 200, vendió al menos 2 millones de copias en Estado Unidos según la RIAA y ganó el Grammy a mejor disco Vocal Pop del año.
Winehouse también ganó el Grammy a mejor artista nuevo (Best New Artist) y la canción âRehabâ, que hacía alusión a la problemática de la artista con el abuso de sustancias, le valió tres Grammys adicionales: mejor canción, mejor grabación, y mejor interpretación pop femenino.
Tristemente, la âmejor artista nuevaâ vería su carrera terminar abruptamente. âBack in Blackâ fue el último disco de estudio de Winehouse.
La cantante fue hallada sin vida en su hogar de Camden al norte de Londres. Falleció el 23 de julio del 2011. Una investigación de autoridades británicas reportó que la artista habría bebido alcohol hasta fallecer.
âEs con gran tristeza que anunciamos el fallecimiento de nuestra querida Sinéad. Su familia y amigos están devastados y han solicitado privacidad en este momento tan difícilâ, dio a conocer la familia de la cantante a través de la cadena irlandesa RTÁ.
La cantante irlandesa Sinéad O’Connor durante una actuación en el festival Parkpop, en La Haya (Países Bajos), el 30 de junio de 2013. EFE/EPA/Robbert Stroy
La vocalista es mejor conocida por la interpretación de la poderosa balada “Nothing Compares 2 U” que alcanzó el puesto #1 en la lista Hot 100 de Billboard. La canción fue escrita originalmente por Prince para su proyecto “The Family” en 1985 y versionada en 1990 por O’Connor. El video musical de la canción también contribuyó a su éxito y recibió el galardón de video del año en los premios de MTV.
En el 2021, OâConnor publicó sus memorias “Rememberings” en las cuales relató batallas por mantener su salud mental y contra la adicción a sustancias. La vida de la artista también fue marcada por la trágica muerte de su hijo, Shane, el año pasado. El joven tenía 17 años de edad y falleció a causa de suicidio.
Sinéad OâConnor nació el 8 de diciembre de 1966 en Dublin (Irlanda). La cantautora publicó 10 discos de estudio. Debutó en 1987 con “The Lion and the Cobra”, alcanzó su éxito más grande con “I Do Not Want What I Haven’t Got” (1990) y su último LP fue “I’m Not Bossy, I’m the Boss” (2014).
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“Tony Bennett fue uno de los intérpretes más importantes de la canción popular americana de mediados a finales del siglo XX”, publicó Billy Joel.
Ya se empiezan a conocer las reacciones del mundo de la música tras el lamentable fallecimiento del cantante Tony Bennett este viernes 21 de julio. El vocalista de jazz y música popular tenía 96 años de edad y fue su publicista, Sylvia Weiner, la que dio a conocer la noticia del deceso del intérprete de “I Left My Heart in San Francisco”.
“Tony Bennett fue uno de los intérpretes más importantes de la canción popular americana de mediados a finales del siglo XX. Defendió a los compositores que de otro modo habrían permanecido desconocidos para muchos millones de fanáticos de la música”, expresó el cantante y pianista neoyorquino Billy Joel.
Tony Bennett was the one of the most important interpreters of American popular song during the mid to late 20th century. He championed songwriters who might otherwise have remained unknown to many millions of music fans. pic.twitter.com/IsopRo8jQ8
“La suya fue una voz única que hizo la transición de la era del Jazz a la era del Pop. Siempre estaré agradecido por su destacada contribución al arte de la música contemporánea. Fue un placer trabajar con él. Su energía y entusiasmo por el material que estaba interpretando era contagioso. También fue uno de los seres humanos más amables que he conocido”, agregó el ‘Piano Man’.
Por su parte, Elton John publicó en su cuenta de Instagram una foto de ambos con el texto: “el cantante, hombre e intérprete con más clase”.
Además, el expresidente de los Estados Unidos, Barack Obama colgó en Twitter una foto del cantante con su familia con el siguiente texto:
“Tony Bennett fue un compositor y artista icónico que cautivó a generaciones de fanáticos. También era un buen hombreâMichelle y yo siempre nos sentiremos honrados de que actuara en mi inauguración. Estamos pensando en su esposa Susan, sus hijos y todos los que lo extrañan hoy”.
Tony Bennett was an iconic songwriter and entertainer who charmed generations of fans. He was also a good man—Michelle and I will always be honored that he performed at my inauguration. We're thinking of his wife Susan, his kids, and everyone who is missing him today. pic.twitter.com/TglWTA06Zm
Anthony Dominick Benedetto nació el 3 de agosto de 1926 en Queens (Nueva York). En 1950 fue fichado por la disquera Columbia Records y en toda su carrera vendió más de 50 millones de discos y ganó 19 premios Grammy. La familia del cantante reveló en 2021 que el músico padecía de alzhéimer.
Carry on Wayward Son. Una de las bandas estadounidenses más emblemáticas del rock progresivo, Kansas, acaba de anunciar una extensa gira por motivo del 50 aniversario de su debut en la escena musical.
“Toda nuestra carrera ha sido un viaje sinuosoâ, comentó en un comunicado el guitarrista y miembro original de Kansas, Richard Williams.
âYa sea la firma de la formación ‘original’ con Don Kirshner, pasando años en el autobús, las giras con Queen, el éxito mundial que alcanzamos en un punto máximo con “Leftoverture” & “Point of Know Return”, los bajones de los 90 y la pérdida de fuerza de las ‘bandas de dinosaurios’, varios cambios en nuestra formación, hasta nuestro ‘renacimiento’ más reciente y el éxito de nuestra última música nueva durante los últimos ocho años; han habido varias bifurcaciones en el camino de ese viaje. Esta gira y lanzamiento del 50 aniversario representará ese viaje y las bifurcaciones a lo largo de ese camino”, agregó subrayando por qué bautizaron la gira “Another Fork In The Road”.
Tickets & VIP Packages for most dates go on sale to the public Friday, January 27, 2023. Ticket info can be found at https://t.co/Ke5rKFLMky.
KANSAS Twitter can purchase tickets before the general public beginning Tuesday, January 24 at 10am local time using code KANSASBAND. pic.twitter.com/evOlQJ1jKG
âEstoy increíblemente entusiasmado con la gira del 50 aniversarioâ, expresó el vocalista Ronnie Platt. âLe digo a la gente que no tengo permitido crear una lista de canciones porque duraría cinco horas. Hay tantas canciones que quiero tocar en vivo. Creo que los fans estarán emocionados no solo de escuchar nuestros éxitos y las favoritas de los fanáticos que abarcan los 50 años de KANSAS, sino también algunas canciones que no se han interpretado en vivo en décadasâ, agregó.
Actualmente Kansas está conformada por: Phil Ehart (baterista original), Billy Greer (bajista y vocalista), Ronnie Platt (vocalista y teclista), David Ragsdale (violinista y guitarrista), Tom Brislin (teclasta y vocalista) y Richard Williams (guitarrista original).
El exlíder del grupo Genesis (y uno de los cantantes solistas más exitosos de todos los tiempos), Peter Gabriel, acaba de compartir su nueva canción, “Panopticom”. El tema es el primero que el artista británico ha develado de lo que será su nuevo álbum “i/o”.
“La primera canción se basa en una idea que he estado trabajando para iniciar la creación de un globo de datos infinitamente expandible y accesible: el Panopticomâ, expresó Gabriel en su página web oficial.
âEstamos empezando a conectar a un grupo de personas con ideas afines que podrían darle vida a esto, para permitir que el mundo se vea mejor a sí mismo y este tenga un entendimiento mejor de lo que realmente está sucediendoâ, agregó.
Con su nuevo álbum, Gabriel terminará una larga espera de más de 10 años desde que lanzó su último LP âNew Bloodâ en el 2011.
La gira âi/o The Tourâ arrancará el 18 de mayo en Cracovia (Polonia), de ahí viajará para Italia, Francia, Alemania, Dinamarca, Suecia, Noruega, Países Bajos, Bélgica y Suiza antes de iniciar una serie de fechas en su natal Reino Unido a partir del 17 de junio en Birmingham (Inglaterra).
