El ex integrante de The Beatles confirmó que su próximo álbum de estudio ya está terminado. Según contó, el material fue grabado junto al productor Andrew Watt, conocido por trabajar con artistas contemporáneos y por acercar su sonido a nuevas generaciones.
La noticia no solo confirma que sigue activo , aún con más de 80 años, también sugiere una etapa distinta. Watt suele apostar por grabaciones orgánicas, directas y energéticas, algo que podría llevar a McCartney a un terreno más crudo que el de McCartney III.
Entre pasado eterno y presente inquieto
El músico viene de años particularmente movidos: giras multitudinarias, reediciones de catálogo y hasta colaboraciones recientes.
Pero este disco sería su primer trabajo completamente nuevo desde la pandemia — y, según sus propias palabras, ya está listo… solo falta decidir cuándo verá la luz.
En otras palabras: McCartney no está cerrando la historia. Está escribiendo otro capítulo.
El rostro de Dawson’s Creek que marcó a toda una generación
Hoy se confirmó la muerte de James Van Der Beek, a los 48 años. Para muchos, su nombre estará siempre ligado a Dawson Leery, el protagonista de Dawson’s Creek, esa serie que a finales de los 90 se convirtió en espejo emocional de toda una generación.
Durante seis temporadas, entre 1998 y 2003, la historia acompañó a millones de personas en ese tránsito complejo entre la adolescencia y la adultez: crecer, enamorarse, equivocarse y descubrir quién sos. Y sí, también nos dejó una de esas canciones de apertura que apenas suenan te devuelven, sin aviso, a otra etapa de la vida.
Un actor que trascendió a su personaje
Aunque Dawson fue su papel más icónico, Van Der Beek también participó en películas como Varsity Blues y continuó trabajando en televisión durante los últimos años, demostrando que su carrera no se limitaba a aquel joven soñador obsesionado con el cine.
Con el tiempo, incluso supo reírse de su propia imagen pública, abrazando con humor el impacto cultural que tuvo su personaje.
Una lucha enfrentada con valentía
El actor había sido diagnosticado con cáncer colorrectal y, en el último tiempo, se dedicó a generar conciencia sobre la importancia de los chequeos médicos y la detección temprana. Según comunicó su familia, enfrentó sus últimos días con valentía y serenidad.
Más allá de la pantalla, su historia reciente también dejó un mensaje claro sobre el cuidado personal y la importancia de hablar abiertamente de la salud.
Cuando la ficción se vuelve memoria
Hay series que se quedan con uno como se quedan las canciones. No solo por la trama, sino por el momento de la vida en que las vimos. Dawson’s Creek fue eso para muchos: tardes después del colegio, discusiones sobre el amor ideal, amistades intensas y la sensación de que todo estaba por empezar.
Hoy, James Van Der Beek se despide dejando una huella que va más allá de un personaje. Porque algunas historias —igual que ciertos acordes— terminan formando parte de nuestra memoria emocional.
El cerebro creativo de Creedence Clearwater Revival entra oficialmente al salón de las leyendas
Una noticia bonita para quienes disfrutan ese sonido pantanoso, polvoriento y absolutamente inolvidable de Creedence Clearwater Revival. John Fogerty, la voz, guitarra y principal pluma detrás de la banda, va a recibir uno de los reconocimientos más importantes que existen para un compositor: el Johnny Mercer Award del Songwriters Hall of Fame.
La ceremonia se celebrará el 11 de junio en Nueva York, y este premio funciona casi como una medalla de honor para quienes han marcado el rumbo de la canción popular durante décadas. Para entender el nivel: antes lo han recibido nombres como Frank Sinatra, Paul Simon, Stevie Wonder, Dolly Parton y Elton John. Pura liga mayor.
Un premio reservado para quienes cambiaron la historia de la canción
Fogerty ya había ingresado al Songwriters Hall of Fame en 1993 junto a Creedence, pero ahora el homenaje es individual, enfocado directamente en su obra como compositor y en el impacto de su catálogo. No solo se celebra al frontman, sino al autor de canciones que definieron toda una época.
Él mismo contó que el reconocimiento llega en un momento muy especial de su vida, después de haber recuperado los derechos de sus canciones hace pocos años, algo que siempre describió como una batalla profundamente personal. Este premio, entonces, no solo honra su legado: también cierra un círculo.
Canciones simples, eternas y con identidad propia
Si uno repasa su repertorio, todo tiene sentido. Proud Mary, Fortunate Son, Bad Moon Rising, Have You Ever Seen the Rain… temas que parecen sencillos en estructura, pero que cargan una identidad imposible de confundir.
Fogerty tiene ese talento raro de escribir melodías directas, riffs memorables y letras que te pintan carreteras, pantanos y rebeldía en cuestión de segundos. El propio Nile Rodgers destacó justamente eso: la capacidad de hacer que la música se sienta profunda sin dejar de ser inmediata.
Un legado que sigue sonando como el primer día
Más allá de los premios, lo de Fogerty ya está escrito en la memoria colectiva. Su música sigue sonando fresca, vigente, perfecta para manejar al atardecer o para dejar que el volumen llene la casa un domingo cualquiera.
Porque hay compositores que hacen hits… y otros que construyen banda sonora para varias generaciones.
John Fogerty, claramente, pertenece a los segundos.
Una leyenda que está por cerrar uno de sus capítulos más largos
Después de más de cinco décadas marcando el rumbo del rock con himnos eternos como Hotel California, Take It Easy o Desperado, The Eagles podrían estar acercándose a su último año como banda activa.
El cofundador y baterista vocalista Don Henley dijo en una reciente entrevista para CBS Sunday Morning que 2026 probablemente marcará el final de The Eagles, en medio de su prolongada residencia en el Sphere de Las Vegas con The Long Goodbye Tour.
“I think this will probably be it,” respondió Henley cuando le preguntaron si este año sería el cierre definitivo de la banda, seguida de su frase sincera: “And I am OK with that.”
“The Long Goodbye”: más que un título
La gira, bautizada The Long Goodbye, es ya un recorrido histórico que comenzó hace varios años y ha sido extendida varias veces ante la enorme demanda. Actualmente, los Eagles tienen fechas programadas en el Sphere de Las Vegas que abarcan hasta marzo de este año, antes de lo que podría ser el gran cierre de su carrera en vivo.
Henley explicó que parte de su decisión está relacionada con deseos personales fuera del rock: pasar más tiempo con su familia, viajar y hasta dedicarse a cosas tan tranquilas como cultivar su propio huerto. En sus palabras, después de tantos años de aviones, hoteles y escenarios, quiere “ver más de los lugares que ya ha visitado antes de que todo desaparezca”.
Más allá de la gira: un legado que no se apaga
Aunque esta podría ser la última etapa activa de The Eagles, el legado de la banda es imborrable. Formados en 1971, con Henley como uno de los miembros originales, el grupo atravesó décadas con altibajos, cambios de formación y un sonido que fusionó rock, country y armonías vocales inolvidables.
Después de la muerte de Glenn Frey en 2016, la banda continuó con otros músicos como Vince Gill junto a Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit, y presentó su repertorio clásico ante audiencias masivas alrededor del mundo.
Henley también reflexionó en la entrevista sobre la conexión emocional de sus canciones con el público, diciendo que con los años aprendió a “hacer amistad” con los temas porque lo que importa no es tanto la banda como lo que esas canciones significan para quienes las escuchan.
¿El adiós definitivo?
Henley reconoció que ya había dicho cosas similares antes, y que la banda ha tenido varias despedidas a lo largo de los años, incluidas pausas y reuniones históricas. Pero esta vez, con The Long Goodbye en su tramo final y la edad de los integrantes siendo un factor claro, el mensaje suena más definitivo que nunca.
Si este realmente marca el final de The Eagles, será el cierre de uno de los ciclos más prolongados y fructíferos de la historia del rock: una banda que escribió parte de la banda sonora emocional de varias generaciones y que, más allá de los escenarios, dejó una marca profunda en la música popular.
Hay bandas que nacen grandes. Y hay otras que primero fueron un puñado de amigos con ruido en la cabeza y cero reglas.
Red Hot Chili Peppers pertenece claramente al segundo grupo. Y justamente ahí es donde pone la lupa Netflix, que estrenará el próximo 20 de marzo el documental The Rise of the Red Hot Chili Peppers, una mirada directa a los primeros años del grupo en California, cuando todo era instinto, sudor y experimentación.
Nada de estadios llenos ni hits globales todavía. Solo punk, funk, rock y esa energía salvaje que terminó definiendo su identidad.
Hillel Slovak, el corazón original del sonido
El foco del documental está en una figura que muchas veces queda fuera de la conversación masiva: Hillel Slovak, guitarrista fundador y pieza fundamental en el ADN musical y emocional de la banda.
Su estilo, su sensibilidad y su vínculo con Flea y Anthony Kiedis ayudaron a moldear ese sonido híbrido que hoy reconocemos al instante. Más que un miembro original, Slovak fue el pegamento creativo de los primeros Chili Peppers.
La película —dirigida por Ben Feldman— se mete en esa etapa casi mítica: la adolescencia, los ensayos caóticos, las amistades que se forjan cuando todavía nadie imagina la fama… y cómo todo eso terminó marcando el camino de una de las bandas más importantes del rock alternativo.
Testimonios cercanos y un lado más humano
El documental incluye testimonios de personas muy cercanas a Slovak, además de la participación directa de Flea y Anthony Kiedis, lo que promete un relato mucho más íntimo que el típico repaso cronológico de “grandes éxitos”.
Feldman lo resumió de una forma simple y poderosa: al final, esta es una historia con la que cualquiera puede conectar. Amistades que te forman, vínculos que nacen jóvenes y te acompañan toda la vida.
La diferencia es que, en este caso, esos amigos terminaron cambiando la historia del rock.
Una historia con corazón
Más allá de la música, The Rise of the Red Hot Chili Peppers apunta a mostrar el lado humano detrás del mito: los sueños, las pérdidas, las conexiones emocionales que sostuvieron al grupo incluso cuando todo parecía desmoronarse.
Porque antes de convertirse en una máquina de hits como Californication, Under the Bridge o Give It Away, los Chili Peppers fueron simplemente eso: amigos tratando de encontrar su sonido.
Y a veces, ahí es donde nacen las mejores historias.
Si sos fan de la banda —o simplemente te gusta descubrir qué hay detrás de la música que te acompaña la vida—, este estreno viene cargado de memoria, raíces y corazón.
Este domingo 1 de febrero, los Premios Grammy 2026 tendrán uno de sus momentos más emotivos: un homenaje especial a Ozzy Osbourne, figura clave y absolutamente disruptiva en la historia del rock y el heavy metal
.La Recording Academy confirmó que la ceremonia incluirá una presentación dedicada al legendario cantante, fallecido el 22 de julio de 2025, a los 76 años, marcando lo que promete ser una despedida a la altura de una carrera que cambió para siempre el sonido —y la actitud— del género.
Un tributo con peso pesado
El homenaje no será menor. Sobre el escenario estarán Post Malone —quien colaboró con Ozzy en sus últimos años— junto a Slash y Duff McKagan de Guns N’ Roses, el baterista Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y el productor Andrew Watt, responsable de los dos últimos discos del cantante: Ordinary Man (2020) y Patient Number 9 (2022).
Una alineación que mezcla generaciones y estilos, pero que comparte algo en común: la influencia directa de Ozzy en sus carreras.
Además del tributo al exlíder de Black Sabbath, la ceremonia también incluirá homenajes de Lauryn Hill a Roberta Flack y D’Angelo, mientras que Reba McEntire, Brandy Clark y Lukas Nelson participarán del tradicional segmento “In Memoriam”, dedicado a los artistas y trabajadores de la industria que fallecieron durante el último año.
La transmisión será en vivo a las 22:00 h por TNT y vía streaming en HBO Max.
El último adiós a una leyenda
La muerte de Ozzy sacudió al mundo del rock. El cantante falleció en su casa de Birmingham a causa de un infarto, luego de casi 16 años luchando contra la enfermedad de Parkinson.
Su partida ocurrió apenas semanas después de su histórico concierto de despedida, Back to the Beginning, realizado el 5 de julio de 2025 en el estadio Villa Park, en su ciudad natal. Una noche cargada de simbolismo que terminó convirtiéndose, sin saberlo, en su último saludo al público.
El impacto fue inmediato. El 30 de julio, miles de fanáticos acompañaron el cortejo fúnebre que recorrió puntos clave de su historia: su casa de la infancia, el puente y mural dedicados a Black Sabbath y el pub The Crown, donde la banda tocó por primera vez. La despedida fue multitudinaria y transmitida en vivo.
Al día siguiente se realizó un funeral privado con familiares y figuras del rock como Marilyn Manson, Rob Zombie, Zakk Wylde, James Hetfield y los miembros de Black Sabbath. Cumpliendo su deseo, Ozzy fue enterrado cerca del lago de Welders House, la residencia familiar en Buckinghamshire.
Un legado imposible de borrar
Más allá de los excesos, la polémica o la leyenda negra, Ozzy Osbourne fue —y sigue siendo— una de las voces más influyentes del rock pesado. El hombre que ayudó a inventar el metal, que convirtió el caos en espectáculo y que transformó la oscuridad en himnos generacionales.
Este domingo, los Grammy no solo premiarán música. También recordarán a alguien que enseñó que el rock podía ser peligroso, teatral, incómodo… y eterno.Porque hay artistas que pasan. Y hay otros, como Ozzy, que nunca se van del todo.
Bruce Springsteen publicó una nueva canción titulada “Streets of Minneapolis”, compuesta y grabada en tiempo récord como respuesta a las recientes muertes de Alex Pretti y Renee Good en Minneapolis, a manos de agentes federales de inmigración de Estados Unidos (ICE). El propio Springsteen explicó que escribió la canción un sábado, la grabó el martes y la lanzó el miércoles, dedicada “al pueblo de Minneapolis, nuestros vecinos inmigrantes inocentes y en memoria de Alex Pretti y Renee Good”.
Se trata de una pieza de protesta con una fuerte carga política y social que sitúa al icónico músico de 76 años directamente en el centro del debate sobre derechos civiles y violencia estatal.
Letras que hablan de protesta y memoria
En “Streets of Minneapolis”, Springsteen utiliza imágenes potentes para narrar los hechos ocurridos durante las operaciones federales en Minneapolis, describiéndolos como un “terror estatal” y acusando a los agentes de vulnerar derechos fundamentales. La letra menciona directamente a las dos víctimas y critica duramente a las fuerzas involucradas, en un tono de indignación y llamado a la resistencia comunitaria.
La canción, que mezcla rock con elementos corales y una voz rasposa y enérgica, también incluye una llamada explícita a sacar al ICE de la ciudad, un mensaje que representa la postura política de Springsteen frente a lo que él considera injusticias estructurales.
Una reacción que tiene historia
No es la primera vez que Springsteen se pronuncia sobre estos hechos. Antes del lanzamiento de la canción, durante el Light of Day Winterfest en Nueva Jersey, dedicó una interpretación de “The Promised Land” a la memoria de Renee Good y criticó abiertamente el papel del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas en Estados Unidos.
Además, la canción recuerda en su título a “Streets of Philadelphia”, el tema que Springsteen compuso para la película Philadelphia (1993) y que le valió un Óscar, subrayando cómo la lucha por justicia social ha sido recurrente en su obra durante décadas.
Reacciones y resonancia
Desde su publicación, “Streets of Minneapolis” ha generado un fuerte impacto: se ha difundido rápidamente en redes y plataformas de audio —acumulando decenas de miles de reproducciones en pocas horas— y ha sido interpretada como uno de los ejemplos más directos del Springsteen más político y comprometido en años.
Mientras tanto, el debate nacional sobre las acciones de ICE, el papel del gobierno federal y la protección de los derechos de comunidades vulnerables sigue vigente en Estados Unidos, y la voz de Springsteen se incorpora a ese coro de artistas que usan su música para exigir justicia y visibilizar conflictos sociales.
Hay documentales que informan y otros que te sacuden. El próximo trabajo audiovisual sobre Billy Idol pertenece claramente al segundo grupo. Su nombre lo dice todo: Billy Idol Should Be Dead. Un título que suena a provocación, pero que también funciona como una verdad incómoda cuando se repasa la historia del músico británico.
El documental se presentó el año pasado en el Festival de Tribeca y deja claro desde el inicio que no se trata de un repaso amable de grandes éxitos ni de nostalgia edulcorada. Aquí entran los excesos, las caídas, el caos, los años 80 vividos a máxima velocidad y esa capacidad casi absurda que tuvo Idol para sobrevivirse a sí mismo… y volver.
No es una postal bonita del pasado
Lejos de idealizar su figura, el documental se mete de lleno en los momentos más oscuros de su carrera: adicciones, decisiones autodestructivas y una vida que, por momentos, parecía ir directo al abismo. Pero también muestra el otro lado: la resiliencia, la reinvención y la razón por la que Billy Idol sigue siendo una figura imposible de borrar de la historia del rock.
No hay pausas cómodas ni filtros innecesarios. Es un retrato crudo, honesto y eléctrico, tan intenso como la música que lo convirtió en ícono.
Estreno en cines y volumen al máximo
La idea es que Billy Idol Should Be Dead llegue a los cines durante la primera mitad de 2026. Aunque todavía no hay una fecha exacta confirmada, todo apunta a que será uno de esos estrenos que valen la pena en pantalla grande, con el volumen alto y sin distracciones.
Una canción nueva que resume toda una vida
Como si la historia no fuera suficiente, el documental viene acompañado de una canción inédita: “Dying To Live”, compuesta especialmente para esta producción. El título no podría ser más certero: una frase que, honestamente, podría resumir toda la carrera de Billy Idol.
Además, “Dying To Live” fue incluida en la shortlist preliminar de la Academia para los Premios Oscar 2026 en la categoría de Mejor Canción Original. No es aún una nominación oficial, pero sí una señal clara de que el tema ya está dando de qué hablar.
En agosto del año pasado se dio a conocer que Sting, exlíder y principal compositor de The Police, enfrentaba una demanda judicial iniciada por sus antiguos compañeros de banda, Andy Summers y Stewart Copeland. El reclamo apuntaba a un monto estimado de entre 2 y 10 millones de dólares por regalías no percibidas de canciones emblemáticas como “Roxanne” y “Every Breath You Take”.
Ahora, según informó la BBC, se confirmó que el músico solo les pagó 800.000 dólares, una cifra muy inferior a la reclamada originalmente, y el conflicto legal continúa sin resolverse.
Una audiencia clave en Londres
Durante una audiencia celebrada ayer miércoles en el Tribunal Superior de Londres, los abogados de Summers y Copeland aseguraron que el reclamo podría ser incluso mayor. Argumentaron que el pago recibido evidencia un “pago insuficiente histórico”, ya que no incluye intereses acumulados por los montos adeudados.
Además, la demanda exige que se tengan en cuenta descargas digitales y reproducciones en plataformas de streaming, una parte del negocio musical que no existía cuando se firmaron los acuerdos originales. Sin embargo, Sting rechazó ese punto, afirmando que el convenio solo contemplaba regalías derivadas “de la fabricación de discos”, por lo que sus excompañeros no tendrían derecho a esos ingresos.
Un acuerdo verbal que nunca se cumplió
Aunque Summers y Copeland no figuran como compositores en la mayoría de los éxitos de The Police, ambos sostienen que en 1977 existió un acuerdo verbal para compartir ingresos, el cual posteriormente fue formalizado en contratos escritos. Dicho acuerdo reconocía que, si bien Sting era el compositor principal, los otros miembros realizaron contribuciones fundamentales a las canciones.
Según ese pacto, si alguno de los integrantes recibía ingresos editoriales por una obra, debía compartir un porcentaje con los otros dos bajo el concepto de “honorarios de arreglista”. Lo que denuncian Summers y Copeland es que algunos de esos pagos nunca se realizaron.
El legado de The Police en medio del litigio
The Police se formó en 1977 y se separó a mediados de los años 80, aunque el trío volvió a reunirse en giras puntuales, la última en 2008. En 2023, la banda celebró el 40.º aniversario de Synchronicity con la apertura de una cuenta oficial en TikTok, reafirmando su vigencia cultural.
Se espera que la audiencia por este tema concluya hoy, jueves 15 de enero, y que posteriormente se avance hacia el juicio completo, que podría definir uno de los conflictos económicos más delicados en la historia del rock británico.
La icónica banda de rock ZZ Top —famosa por sus largas barbas que se volvieron parte de su identidad visual— reveló que una importante marca de afeitado quiso que se afeitaran ese rasgo tan distintivo para una campaña publicitaria… y la banda dijo que no.
La anécdota la confirmó recientemente el vocalista y guitarrista Billy Gibbons durante el programa Mohr Stories, donde contó que la compañía Gillette les ofreció 1 millón de dólares a cada miembro para aparecer en un comercial de televisión afeitándose las barbas.
¿Por qué lo rechazaron?
Aunque Gillette niega oficialmente la oferta, Gibbons aseguró que la propuesta fue real y tentadora: “Era un millón de dólares por persona”, dijo. Sin embargo, la banda decidió rechazarla por conservar su esencia y estilo inconfundible.
Según relató Gibbons, tras recibir la oferta él y su equipo llamaron a su publicista, Bob Merlis, quien les respondió con humor pero también con claridad sobre la importancia de su imagen: “El dinero está bien… pero no estoy tan seguro de que alguno de ustedes sepa qué hay debajo de esas barbas”. Así que optaron por mantener su icónico look, una decisión que sus fanáticos celebraron.
Más que estética: un símbolo de identidad
Las largas barbas de ZZ Top no son solo un elemento físico: se volvieron un emblema cultural del grupo y parte de su vínculo con el público. Desde que comenzaron a adoptar ese estilo, a finales de los años 60 y 70, se transformaron en una de las imágenes más reconocibles del rock clásico.
A pesar de que el bajista Dusty Hill falleció en 2021, la banda sigue activa con Elwood Francis como bajista y mantiene vivo el espíritu que los hizo únicos.
